Música
Música (del griego μουσική sustantivo, mousike; "arte de las musas ") es el producto del arte de concebir y producir, mediante el uso de instrumentos o la voz, una sucesión de sonidos que tienden a ser agradable de escuchar. Más técnicamente, la música consiste en la concepción y realización de los sonidos, timbres y silencios en el tiempo y en el espacio.
Es el arte como un conjunto de reglas prácticas adecuadas para la consecución de determinados efectos de sonido, que son capaces de expresar la interioridad del individuo que produce la música y del oyente. La generación de sonidos se produce a través del canto o mediante el uso de instrumentos musicales que, a través de los principios de la acústica , hacen que el auditiva percepción y la experiencia emocional deseada por el artista .
Sin embargo, el significado del término música no es única y es muy debatido entre los investigadores debido a los diferentes significados utilizados en diversos períodos históricos. Etimológicamente, el término deriva de la música del adjetivo griego μουσικός / musikòs, relativa a las Musas , figuras de griego y romano mitología , se hace referencia de forma implícita a la técnica, que también se deriva del griego τέχνη / techne. Originalmente, el término no indica una determinada técnica , pero todas las artes de las musas, y se refirió a algo "perfecto". Los macro-categorías de culta , luz y étnica se dividen en diferentes géneros y formas musicales que los sistemas de uso tales como la armonía , melodía , tonalidad y la polifonía .
Historia
Música en los tiempos prehistóricos
Música en la Antigüedad
En la antigua Grecia, Pitágoras entiende la estrecha relación entre la música y las matemáticas , debido a la relación entre las relaciones fraccionarias y sonido .
Platón afirmó que, al igual que la gimnasia sirven para fortalecer el cuerpo, la música tenía que enriquecer el alma. Se atribuye una función educativa a la música, como las matemáticas. De acuerdo con él, era necesario saber elegir entre un lote y un poco, entre más o menos, entre el bien o el mal, para alcanzar el objetivo final [1] .
La música sacra medieval
En el cristianismo , el canto era generalizada, porque "Cristo" a sí mismo fue descrito como un cantor junto a sus discípulos: "Y después de cantar el himno que salió hacia el monte de los olivos Mt 26.30 [2] Música en el cristianismo mucho más desarrollado en el lugar. de culto, la iglesia: era la música que se lleva a cabo en la liturgia celebra la masa .
Puede ser la hipótesis de que la forma inicial de la música litúrgica era monódica (de la palabra griega que significa una sola voz, es decir, la misma melodía fue cantada por uno o más cantantes) y basado en variaciones en el tono alrededor de una nota fundamental (llamado recita) , una variación que fue dictado por la prosodia (o énfasis) de las palabras del texto sagrado, en el estilo musical llamado silábica. Con el tiempo, un segundo estilo se superpone a este estilo, que dominó la mayor parte de la masa, inicialmente reservado para los momentos de mayor énfasis tales como el ofertorio, en el que un solista entonó el texto variando libremente la entonación dentro de una misma sílaba en un estilo llamada melismatic .
La transmisión de la música tuvo lugar en este punto por la tradición oral, ya través de las escuelas de canto, cuya presencia en los principales centros de culto está atestiguada desde el siglo IV. Además de la escuela de origen, es probable que la improvisación y la habilidad del individuo también Cantor determinadas en gran medida la música de uso litúrgico.
Al comienzo del siglo VI , hubo varias áreas litúrgicas europeos en Occidente, cada uno con su propio rito consolidada, asociado con un liquen plano específica firmus, o un tipo de canto litúrgico monódica (entre las principales, recordamos la Antiguo- rito romano, el rito Ambrosiano en Milán , el rito visigótico-mozárabe en España , el rito celta en las Islas británicas, el rito galicano en Francia , la Aquileiano rito en el este de Italia, Benevento rito en el sur de Italia). La tradición cuenta que al final de este siglo, bajo el pontificado de Gregorio Magno ( 590 - 604 ), se produjo el empuje decisivo hacia la unificación de los ritos y la música que subyace en ellos.
En realidad no hay razón para creer que la unificación se produjo casi dos siglos después, por Carlomagno y bajo el impulso de la unificación política que condujo al nacimiento del Santo Imperio Romano . La atribución a Gregorio Magno habría sido introducido para superar la resistencia al cambio en los diferentes ambientes eclesiásticos, obligados a renunciar a sus propias tradiciones. El producto de la unificación de dos de los principales ritos, el Viejo-romano y el gálico, fue codificada en el llamado gregoriano antifonario , que contenía todos los cantos permitidos en la liturgia unificada. Esta unificación clasifica las piezas de música sacra en el uso de acuerdo con un sistema de modos, inspirado - por lo menos en los nombres - por las formas de la tradición griega (dórico, hypodoric, frigio, hypophrygian, lydian, hypolydian, misolydian, hypomisolid).
El repertorio del canto gregoriano es muy extensa y se diferencia por edad de la composición, la región de origen, la forma y estilo. Se compone de los cantos de la Oficina (el llamado "Liturgia de las Horas", expuestos diariamente por el clero) y los cantos de la misa.
- Las siguientes formas litúrgico-musicales se encuentran en los cantos de la Oficina: las antífonas, los Responsors (que puede ser corto o detallado), el "cantica" (de carácter más lírico) y los Himnos (recitados exclusivamente en los monasterios para temer, de parte de la Iglesia, de la propagación de herejías, dada su fuerte y popular aprobación);
- En los cantos de la misa hay formas vinculados a las partes de la Missæ Ordinaria o Ordinarium (es decir, los textos que nunca cambian: Kyrie , Gloria , Credo , Sanctus y Agnus Dei ) y de la Proprio o Proprium Missæ (es decir, los textos que variar de acuerdo con las diversas festividades: introito , Graduale , Alleluia - sustituido por el tracto en el tiempo de Cuaresma -, Ofertorio y Communio ).
Tanto en los cantos de la Oficina y en los de la misa que encontramos todos los géneros compositivos-estilos del repertorio gregoriano; que se pueden clasificar en tres grandes familias:
- Canciones silábicos (cuando cada sílaba del texto por lo general corresponde a una sola nota) como los más simples Antífonas de la Oficina, las simples melodías de lo normal y los recitativos del celebrante;
- El semi-silábica o cantos neumáticas (cuando pequeños grupos de notas corresponden a cada sílaba del texto) como el Introiti y Communio de la masa o algunas antífonas más amplios de la Oficina;
- Las canciones de un género melismatic (cuando cada sílaba del texto es floreció con muchas notas), como algunos graduales y Offertors o la verbosa responsorios de la oficina o el más importante jubilus del Aleluya.
La reforma gregoriana reemplazó al estudio de los textos para la transmisión oral de las escuelas de canto originales, sacrificando, además de las características regionales (algunos de los cuales, especialmente los de mozárabe derivación, especialmente rica) y para micro-tonal entonación (que todavía existía en el antiguo rito romano) también el papel de la improvisación. Al mismo tiempo, existía la necesidad de "anotar" los textos escritos con el fin de ayudar a los cantantes para realizar siempre la música de la misma manera, con una línea melódica que indica su dirección, ascendente o descendente. Esta necesidad dio origen a determinados signos ( neumas , al parecer, nacidas de los gestos del director del coro) que, observado entre las líneas de los códigos, representaban el progreso de la melodía, como ya se ha mencionado, (pero dejando la entonación y el ritmo libre ). por lo tanto la escritura neumática se convirtió en el primer "notación", de ahí la palabra "nota", la música moderna.
El nacimiento de la notación
Neumática escritura deja mucho a la imaginación del lector, y, por esta misma razón, era inadecuado para la transcripción de las composiciones de mayor complejidad, lo que puso una tensión en la memoria de los cantantes. Fue en la obra de Guido d'Arezzo (992 ca.-1050 ca.) que se estableció el primer sistema de escritura diastematic, es decir, una escritura que permitió a los diferentes tonos de las notas que se entonaron ser indicado. Guido llamó a su sistema de tetragrammaton porque inserta signos (que más tarde se convertiría notas modernas) que consiste en una cuadrícula (frecuencia) de cuatro líneas paralelas. Este fue el comienzo de la utilización de notas en el que se obtuvo la escritura de duraciones proporcionalmente (la duración de una nota se indicó en proporción a los otros). Para las notas que fueron colocados en los espacios y en las líneas, Guido nombres de casi todos correspondientes a las sílabas iniciales de los seis primeros versos de un asignadas himno dedicado a San Juan Bautista como un memorándum para los estudiantes:
| ( LA ) " Ut queant laxis | ( ES ) «Para que puedan con conexión |
| ( Himno a San Juan ) | |
La verdadera innovación de Guido fue que las primeras sílabas del himno no sólo se utilizan para dar un nombre a las notas, sino también para dar su entonación relativa. De esta manera, un cantor puede entonar a primera vista una canción nunca antes escuchado, simplemente por referir a la sílaba del himno con la misma entonación que la primera nota en la que la canción se inició con el fin de tener una idea inmediata de la raíz. Guido dio procesar esta memorización el nombre de solfeo . En los años que siguieron, tetragrammaton de Guido d'Arezzo, dotado inicialmente con un número variable de líneas, se estabilizaría en cinco líneas (suponiendo que el nombre de la estrella de cinco puntas ) y la nota Ut cambiaría su nombre a C, sentando las bases de la moderna Notación musical.
los trovadores
Desde el punto de vista de su conservación, la música estaba en desventaja por partida doble. Por un lado, hasta la invención de la imprenta, que sufrió el destino común de todo el material que tenía que ser entregado por escrito, es decir, de la rareza del material, los medios y la capacidad para pasarlo sobre. A esto se sumó la falta de una anotación que permitió que la música que se escribe de una manera unívoca (que sólo se alcanzó alrededor de 1500 ).
A estas circunstancias prácticas, también hubo prejuicios de carácter cultural (espalda que data de la concepción griega), que identifica en la práctica musical de una parte noble, conectado a la palabra, y una parte artesanal, conectado con el sonido instrumental. El segundo fue relegado a un segundo plano y, en su función de servicio, de izquierda a músicos profesionales (siempre de origen no noble): esto es equivalente a decir que la música popular fue confiado exclusivamente a la transmisión oral y se pierde por completo para nosotros. Las pocas melodías que han llegado hasta nosotros han hecho a menudo tan a escondidas en composiciones consideradas dignas de ser transmitido (a menudo en partes de la masa): este es el caso de la melodía llamada L'homme armé y (más tarde) de la melodía llamada La Follia . Sólo en la era moderna de la música popular se comenzará a ser considerado digno de ser transmitido.
Sin embargo, se sabe que en la Edad Media se producen una gran cantidad de música no sagrado: un testigo importante (profana aunque no exactamente popular) proviene de las composiciones de los trovadores , los troveros y Minnesánger , cantantes y poetas errantes, cuyos primeros registros posterior a la fecha en torno al siglo 11 . De un origen lingüístico diferente ( lengua de oc u occitana para el trovador , lengua de oïl de troveros , alemán para Minnesánger o juglares ), que estaban unidos por el argumento de sus canciones, el " amor cortés y su asistencia, precisamente, de los tribunales, donde se había desarrollado esta forma ritualizada de amor. La propagación del trovador composiciones también acompañó a la propagación de la idea de que la educación musical (estrictamente no profesional) debe ser parte de la educación de un noble. En cuanto al resto de las composiciones populares, sin embargo, también la parte musical de las composiciones de los trovadores se ha perdido casi por completo debido también a la destrucción causada por la cruzada contra los albigenses .
Las composiciones que han llegado hasta nosotros (en varias versiones, lo que indica la gran circulación de melodías y compositores mismos) se recogen en el Canzoniere, en el que se mencionan los nombres y las vidas de trovadores famosos en las Vidas '. Entre los nombres que aparecen más: Arnaut Daniel (también mencionado por Dante en el Purgatorio); Jaufre Rudel; Bernard de Ventadorn; Bertran de Born. Gracias a los libros de canciones también somos conscientes de los géneros, tanto literarias y musicales, compuestas y cantadas por los juglares, que no sólo tienen que ver con el tema del amor. La composición por excelencia es el canso para los trovadores, chanson para los trovadores, mentido para la Minnesánger; junto a ella se encuentra la madrugada (separación de dos amantes en la madrugada, después de pasar la noche juntos), la pastora (encuentro entre un caballero y una pastora); la tensión y la Sirventesi del género satírico.
Ars Antiqua y Ars Nova
Ars antiqua era un fenómeno musical que se formó en París en 1150 y finalizó en 1320 . Nació en oposición a Ars Nova , que será otro gran movimiento polifónico que va a nacer en el siglo XIV . Desde el punto de vista de la notación musical, la Escuela de Notre Dame introdujo la técnica de indicar con precisión el tono de las notas (que en la obra de Guido d'Arezzo todavía se entendía en forma relativa) de una manera similar a lo que ocurre en escritura musical moderna, y la primera idea de la división de duraciones:. cada nota se puede dividir en tres notas de menor duración. Ars nova desarrolló aún más el concepto de notación mensural , añadiendo otras duraciones a los utilizados hasta entonces, y se extiende la aplicabilidad de la división binaria de los valores; también acentúa los aspectos musicales de las composiciones (que se multiplican las voces de los cantantes y se introducen por ejemplo la forma politextual del motete ) con respecto a los aspectos textuales. Estas innovaciones pronto la pusieron en controversia con los exponentes de Ars antiqua (una polémica que llevó en un tono tan violentas que tuvo que ser sofocado por una intervención real).
Música en el Humanismo y el Renacimiento
Durante el siglo XV se desarrolló un nuevo estilo, inicialmente inspirado por compositores ingleses (en particular, John Dunstable ), y más tarde por la escuela franco-flamenca , que en gran medida innovó las formas preexistentes de la masa , motete y la chanson . Mediante la colocación de las consonancias de terceras partes (siendo familiar para el oído occidental de hoy) y la forma imitativa del canon en la base de sus procedimientos de composición, los franco-borgoñones (entre los cuales recordamos el líder de la escuela Guillaume Dufay y Josquin Des Prez ) revolucionado la práctica de la polifonía heredado de Ars nova . El trabajo de estos compositores sentó las bases para el desarrollo de lo que sería la teoría de la armonía .
En el siglo XVI tenemos el nacimiento del madrigal (una forma cantado con varias voces, en la que el significado del texto comunicó el carácter expresivo de la música) por el francés Philippe Verdelot y el flamenco Jacques Arcadelt . Gracias a la invención de la imprenta, nació la edición musical, que en Italia se dirige sobre todo a una élite, mientras que en Francia y el norte de Europa se dirige a una expansión del mercado.
La Reforma influyó radicalmente la forma de concebir la música: mientras que en las áreas de música calvinista se redujo a la única función litúrgica, en los luteranos se extendió ampliamente en los niveles populares, cumpliendo el papel de pegamento nacionales gracias a la lengua y la fe. Se establecieron las bases para una nueva sensibilidad hacia este arte germánico que producirá efectos trascendentales.
En el contexto Católica, sin embargo, las limitaciones impuestas a la música sacra por el Concilio de Trento , que desalientan la excesiva complejidad, causaron una reacción a la complejidad de la escuela flamenca del siglo anterior. Giovanni Pierluigi da Palestrina , por su parte, composiciones en las que un fluido producido contrapunto densamente alternó consonancias y disonancias con un efecto de suspensión sugerente. En la segunda mitad del siglo tenemos el nacimiento de melodrama , por la Camerata Florentina : en las décadas siguientes se llevó el género en boga sobre todo gracias a Claudio Monteverdi .
El barroco y el sistema tonal
En la música instrumental del siglo XVII en Occidente se convirtió en autónoma y adquirió una fisonomía se indica en géneros tales como la sonata , la sinfonía , el gran concierto . Música occidental desarrollado con extraordinaria rapidez a través de los siglos siguientes, incluso mediante el perfeccionamiento de su sistema tonal : un hito está constituido por Johann Sebastian Bach composiciones de la 's Clave Bien Temperado (I reservar 1722 , II libro de 1744 , colección de 48 preludios y fugas en todos los tonos). En la primera mitad del siglo XVIII, los clientes indirectos surgieron, es decir, el uso del arte por un público que paga.
Clasicismo y música romántica
En la edad de oro de la música clásica occidental, los años a partir de 1750 a 1850 , que se expresa en formas cada vez más ricos y más elaborados, tanto en el campo instrumental (un desarrollo extraordinario tenía la forma de la sinfonía ) y en la ópera de campo, explotando cada vez más las posibilidades expresivas que ofrece el sistema armónico y tonal construido en los siglos pasados.
Durante este período, por primera vez, una sensación histórica de la experiencia musical se manifestó; música adquiere una conciencia histórica como las otras artes gracias a los estudios y publicaciones sobre el pasado; entre los tratados notables, recordamos la hormiga maestro. Reicha , autor de un tratado sobre la melodía , un tratado sobre la armonía y un nuevo método para la fuga, así como numerosas (pero famosos) obras menores. Este nuevo fenómeno hizo posible la creación de un enlace entre el presente y del pasado y dar continuidad a la trayectoria evolutiva musical.
En el siglo XVIII se produjo la gran presencia de Mozart . Sin lugar a dudas fue uno, entre los grandes, y hay muchos; y gracias a él la evolución de la música se posaron en un gran pilar creada, que se extendió en todos los campos, sinfonía, ópera, música de cámara , serenatas, y que representó el enlace, se puede decir, entre la música del siglo XVIII (la calma y sinfonías sereno, que reflejan perfectamente de Haydn esquemas musicales) y el romántico del siglo XIX.
Al comienzo del siglo XIX la figura de Ludwig van Beethoven se alzaba , a partir del legado de Mozart y compositores clásicos contemporáneos transfigurar las formas musicales canónicas, especialmente la sinfonía y la sonata , mientras que la creación del concepto de la música absoluta, que es , liberado de las funciones sociales a los que hasta entonces había sido subordinadas. Con Beethoven hemos sido testigos del nacimiento del compositor / artista, a diferencia de que, previamente prevalente, del músico / artesano. Junto con él, artistas como Johannes Brahms , Bruckner y Gustav Mahler logrado excelentes resultados, especialmente en el campo sinfónico, por lo que hablamos de "El día de la gran sinfonía alemana".
En Beethoven nos encontramos con las primeras manifestaciones de la música del romanticismo , muchos de los protagonistas de las cuales eran de las áreas germanos y austriacos, como Weber , Schubert , Mendelssohn , Schumann . En Francia, en cambio, Berlioz y el polaco Chopin operan.
La música moderna y contemporánea
Estas innovaciones tonales fueron radicalmente cuestionados por el siglo XX la música, que exploró nuevas formas de la atonalidad . Con esta técnica, el único compositor autónoma define las normas para la realización de la pieza, dando mayor importancia al efecto producido por los sonidos en lugar de a su pertenencia a un sistema tonal asignado: a apreciar una pieza de música compuesta de acuerdo con estos cánones, sin embargo, la escucha no es suficiente, sino que debe complementarse con un estudio cuidadoso de la puntuación .
En particular, en la segunda década de Arnold Schönberg , junto con sus estudiantes, incluyendo a Alban Berg y Anton Webern , llegó a esbozar un nuevo sistema , el dodecafonismo , basado en una serie de 12 notas. Algunos consideran este el comienzo de la música contemporánea , a menudo identificado con la vanguardia de la música: otros estuvieron en desacuerdo con fuerza, buscando otras vías. Il concetto di serie, inizialmente legato ai soli intervalli musicali, si svilupperà nel corso del secondo Novecento sino a coinvolgere tutti i parametri del suono. Fu questa la fase del serialismo , il cui vertice fu raggiunto negli anni cinquanta con musicisti come Pierre Boulez e John Cage .
Altri musicisti - fra cui anche Igor' Fëdorovič Stravinskij , Béla Bartók e Maurice Ravel - scelsero di cercare nuova ispirazione nelle tradizioni folkloriche e nella musica extraeuropea, mantenendo un legame con il sistema tonale, ma innovandone profondamente l'organizzazione e sperimentando nuove scale, ritmi e timbri.
A causa della larga gamma di definizioni, lo studio della musica è effettuato in una grande varietà di forme e metodi: lo studio del suono e delle vibrazioni (detto acustica ), lo studio della teoria musicale , lo studio pratico, la musicologia , l' etnomusicologia , lo studio della storia della musica .
Canto e musica nella tradizione folclorica
Con musica popolare o musica folk (letteralmente musica del/dal popolo ) e canto popolare si indicano quei generi musicali che affondano le proprie radici nelle tradizioni di una determinata etnia , popolazione , ambito geografico o culturale .
Questo concetto deve essere distinto da quello di musica pop legato a quello di canzone popolare . La musica, ma soprattutto il Canto popolare risveglia all'orecchio degli appassionati di etnomusicologia un interesse particolare. Questa musica nasce insieme alla civiltà umana e con essa si sviluppa nel corso dei secoli tramandata di generazione in generazione oralmente.
La canzone popolare
Diverso dal concetto folklorico di canto popolare, ma da esso originata, la canzone attraverso i suoi interpreti raccontò, a partire dalla seconda metà dell'Ottocento, la storia, le vicende, e le trasformazioni delle città italiane e straniere. Si diffuse nei salotti borghesi dove si organizzavano incontri di società; questa volta come dice lo slogan <non sono canzoni del popolo ma sono per il popolo> tale slogan esemplificò la matrice del successo generalizzato ottenuto grazie allo sviluppo di tematiche vicine ai sentimenti comuni. Spesso si trattò di canzoni dialettali che parteciparono a festival come quello celeberrimo di Piedigrotta e che rapidamente trascesero le frontiere dei vari stati e le incomprensioni linguistiche. Con l'introduzione di rapporti innovativi tra gli autori e gli editori , con una gestione regolamentata internazionalmente dei diritti degli autori e con la prospettiva di poter usufruire di un pubblico sempre più vasto, gli uffici della Siae dell'epoca vennero presi d'assalto da un nugolo di nuovi autori, di tutte le estrazioni sociali e culturali.
Jazz e Blues
All'inizio del 1900, negli Stati Uniti d'America , iniziarono a diffondersi tra la popolazione urbana diversi generi musicali derivati dalle tradizioni popolari degli africani portati come schiavi sul continente, e dalle loro contaminazioni con le tradizioni musicali bianche.
Nacquero e acquisirono notorietà in questo modo il ragtime , il blues urbano (derivato dal cosiddetto blues primitivo che veniva cantato nelle campagne), e da ultimo, il jazz, che combinava la musica bandistica e da parata, che veniva suonata soprattutto a New Orleans , con forti dosi d' improvvisazione e con particolari caratteristiche ritmiche e stilistiche.
L'invenzione del fonografo e della radio, permise una diffusione senza precedenti di questi nuovi generi musicali, che erano spesso interpretati da musicisti autodidatti molto più legati ad una tradizione musicale orale che non alla letteratura musicale. Le origini non europee degli interpreti, e il citato ricorso all'improvvisazione, contribuirono a creare musiche di grande freschezza e vitalità. Al contrario di quello che era successo tante volte nella storia della musica, la tecnologia offriva ora a un genere musicale popolare, fondato più sulla pratica che sulla scrittura, di essere diffuso e tramandato.
La musica jazz continuò a svilupparsi per tutto il XX secolo , diventando prima musica di larghissimo consumo durante gli anni venti/anni trenta (detti gli anni dello swing ), intrecciandosi con altri generi per dare vita a forme di espressione musicale ancora diverse ed evolvendosi poi gradatamente in una "musica per musicisti" e per appassionati, espandendosi fuori dall'America e trovando seguaci prima in Europa (dove fu spesso apprezzata più che nel sua terra d'origine) e poi in tutto il mondo, e diventando uno dei contributi musicali più importanti del Nuovo Continente. La musica Jazz si può considerare come un nuovo varco verso altri mondi musicali: un genere che, partendo da un substrato che comprendeva le forme popolari del blues, degli spiritual , del gospel del dixieland , incorporando via via altre forme di musica nera (come il ragtime degli anni venti ) arrivò ad utilizzare una base di standard usati come punto di partenza per modificarne di continuo ogni modulo armonico , melodico , e ritmico .
La musica jazz, con le varie influenze che ne sono derivate, è stata definita colta , anche grazie all'avvicinamento e all'approfondimento della musica classica . Lo stesso non può dirsi per il blues iniziale. Il passaggio di qualità è probabilmente attribuibile a George Gershwin , musicista di grande valore, figlio di emigranti russi, morto giovanissimo ma che ebbe dei maestri importanti e fu ispirato da autori come Debussy e Ravel . La sua produzione è incredibilmente vasta, con notevole esposieione delle opere definite minori (circa 700), utilizzate anche ora come standard inesauribili. Ricordiamo che lo stesso Debussy venne influenzato dal jazz, come si può ben udire in "Golliwogg's Cakewalk", brano posto alla fine del " Children's Corner ", una delle sue più celebri suite per pianoforte.
Il jazz "musica colta" si sviluppò a partire dagli anni quaranta , grazie al Cool jazz , al Be bop , all' Hard bop e agli stili più recenti del Free jazz e della Fusion . [3]
La popular music del XX secolo
All'inizio del XX secolo la musica occidentale cambiò profondamente, e fu scossa fin dalle fondamenta. Non solo, ma cambiarono anche, grazie alle invenzioni relativamente recenti della radio e del fonografo , i modi ei tempi di ascolto della musica stessa, prima limitati a concerti in locali appositamente adibiti, come teatri , locali, club o case private. Da una parte iniziò a crearsi un pubblico potenziale più vasto e meno acculturato, che apprezzava strutture melodiche e armoniche più semplici, dall'altra mai come in questo periodo storico fu facile, per chi volesse suonare, procurarsi uno strumento e imparare a usarlo.
A questo si deve aggiungere una seconda rivoluzione, anche questa tecnologica: l'invenzione dell' altoparlante e dell'amplificazione audio, che permise di far suonare assieme strumenti che non potrebbero farlo altrimenti (come per esempio una chitarra , una batteria di tamburi e un pianoforte ), perché il suono di alcuni di essi prevaricherebbe completamente gli altri.
Queste nuove possibilità tecniche crearono l'occasione per nuovi veicoli espressivi che la musica colta tardò a cogliere e che la nuova musica popolare non ebbe alcun problema ad adottare, creando, tra il 1920 fino al 1980 e in misura minore negli anni successivi, una grande fioritura di nuovi stili e generi (quali jazz , blues , rock , soul , pop , funky , metal e fusion , ognuno dei quali si è suddiviso in ulteriori sottogeneri). In ambito pop nacquero personaggi che diventano autentici fenomeni mediatici raggiungendo una popolarità senza precedenti. Fra questi si possono citare Frank Sinatra , Elvis Presley , James Brown , Jimi Hendrix , Bob Dylan , Beatles , Elton John , Bruce Springsteen , U2 per arrivare ai più recenti George Michael , Michael Jackson , Bon Jovi , Oasis , Madonna , Cher , Britney Spears , Adele .
Altro genere popolare sorto nel XX secolo è stato il rock , dizione abbreviata di "rock and roll" o "rock'n'roll" (da quando si affermò questa espressione abbreviata si svilupparono vari sottogeneri che enfatizzavano gli aspetti più aggressivi del rock'n'roll e la parola rock si iniziò a leggere come "roccia", specie riferendosi all' Hard Rock ). Il rock'n'roll nacque negli anni cinquanta come musica da ballare, derivata dal boogie-woogie , ballo afro-americano del dopo guerra (che si potrebbe tradurre con "ondeggia e ruota"). Quando rock e rock'n'roll si differenziarono, la seconda espressione venne intesa come forma originaria di questo genere di musica. Storicamente un gruppo, o una band è formata da una voce, una o più chitarre , il basso e la batteria , in alcuni casi con l'inserimento di altri strumenti (ad esempio pianoforte o sassofono ).
Negli anni sessanta , soprattutto in Inghilterra, si formarono gruppi come The Who , Pink Floyd , Led Zeppelin , Deep Purple , King Crimson e Soft Machine pronti a spaziare ea raggiungere nuove strutture musicalmente più complesse rispetto a quelle del rock primitivo, traendo spesso ispirazione dalla musica classica e dal jazz, per iniziare a dare vita a una rivoluzione. In questa rivoluzione fu coinvolta anche la tecnologia, che con il sintetizzatore , il moog , il mellotron iniziò a dare vita nella metà degli anni sessanta al genere progressive . Alla fine degli anni settanta nacque un nuovo stile musicale che azzerò completamente il progressive, il punk , che vide il ritorno a sonorità hard e violente spinte a volte verso estremismi anti-musicali e legate a tematiche di contestazione politica [4] .
Negli anni ottanta le due correnti principali del rock erano il punk e le sue propaggini ( Post-punk , Hardcore punk , New wave (musica) , No Wave , Industrial ecc.) e il Metal (un'evoluzione particolarmente pesante dell'hard rock, più elaborata del punk dal punto di vista musicale). I primi anni novanta videro l'esplosione del fenomeno Grunge che riportò per qualche tempo il rock all'attenzione delle masse popolari. Il gruppo più rappresentativo di questo genere furono i Nirvana , che con Il loro secondo album Nevermind portarono il grunge nel mainstream rimanendoci fino alla fine degli anni novanta. Nella seconda metà degli anni novanta la ripresa di istanze progressive, filtrate dall'esperienza punk, diedero vita a quello che sarà poi definito Post-rock [5] . All'interno dell'universo post-rock può essere incluso il Math rock (una forma particolarmente fredda, complessa ed anti-melodica di rock) e certe forme di neopsichedelia (si veda Roy Montgomery e la scena Neozelandese ). Altra corrente che si sviluppa nel corso del decennio è lo Stoner rock , mentre il metal si avvia ai suoi sviluppi più estremi e parossistici: Death metal , Black metal , Doom metal , Power metal , Thrash metal e Speed metal si allontanano nettamente dagli schemi della canzone hard rock / heavy metal tendendo anch'essi a rivolgersi a nicchie di pubblico più ristrette, mentre le tematiche diventano sempre più oscure e decadenti (si vedano le suggestioni esoteriche ed anti-moderne di certo Black metal , passato all'attenzione dei media nei primi anni novanta anche per gli atteggiamenti estremamente provocatori e violenti di alcune band). Parallelamente, la musica nera troverà il suo nuovo genere di riferimento nel rap .
In linea generale, ad esclusione del pop-rock e del metal classico, lo sviluppo di questi generi ha finito per caratterizzare il rock degli ultimi decenni come genere "di nicchia", lontano tanto dalla tradizione colta quanto dalle regole della musica leggera di ampio consumo.
Generi musicali
I generi musicali sono categorie entro le quali vengono raggruppate, indipendentemente dalla loro forma , composizioni musicali aventi caratteristiche generali comuni, quali l'organico strumentale , il destinatario e il contesto in cui sono eseguite. Il grado di omogeneità formale e stilistica di tali raggruppamenti è molto variabile e diviene addirittura nullo nel caso di generi con alle spalle una lunga storia, quali la musica sinfonica o l' opera lirica . La loro identità si fonda piuttosto sul contesto sociale e ambientale a cui le composizioni sono destinate (il teatro , la sala da concerto , la discoteca , la strada , la sala da ballo , la chiesa , il salotto ) e sulle diverse modalità con cui la musica si coniuga di volta in volta ad altre forme di spettacolo , arte o letteratura , quali la danza , il teatro, l' immagine , la poesia , il racconto .
Strumenti musicali
Uno strumento musicale è un oggetto che è stato costruito o modificato con lo scopo di produrre della musica. In principio, qualsiasi cosa producesse suoni , poteva essere usato come strumento musicale, ma questo termine definisce solo gli oggetti che hanno il suddetto scopo.
Gli strumenti musicali si possono suddividere secondo la classificazione Hornbostel-Sachs in cinque famiglie, l'ultima delle quali aggiunta solo in seguito:
- Idiofoni : il suono è prodotto dalla vibrazione del corpo dello strumento stesso, sollecitato in vari modi, percuotendolo, pizzicandolo, strofinandolo, sfregandolo, muovendolo o deformandolo per mezzo di pressioni o soffi d'aria.
- Membranofoni : il suono è prodotto dalle vibrazioni di membrane tese, che possono essere sollecitate da azioni di percussione, sfregamento, pizzico, fin anche alle sollecitazioni dovute all'emissione della voce dell'esecutore (nel caso dei mirlitons).
- Cordofoni : il suono è emesso dalla vibrazione di corde tese; le corde possono essere sollecitate dal pizzicarle, percuoterle, o dallo sfregarle con appositi archetti; ancora, corde tese esposte all'azione del vento che le lambisce, come nel caso delle arpe eoliche, induce in esse vibrazioni sonore.
- Aerofoni : in essi è l'aria stessa che entra in vibrazione. L'aria può essere contenuta dallo strumento, come nel caso di tubi o globi, ma può anche circondare lo strumento che la colpisce ad alte velocità (frullo, frusta, lama affilata, rombo…).
- Elettrofoni : il suono viene generato per mezzo di una circuitazione elettrica o per induzione elettromagnetica.
Lo studio
Le nozioni ed i concetti sono riassumibili nella teoria musicale , che è un insieme di metodi per analizzare, classificare e comporre la musica ei suoi elementi. Essa, ad esempio, tratta la "grammatica" della musica, cioè il pentagramma , le chiavi musicali e in generale il modo di scrivere ( semiografia ) la musica. Pertanto, può essere definita come la descrizione in parole degli elementi della musica, e delle relazioni tra la semiografia (o comunemente detta: notazione musicale) e la sua esecuzione.
Lo studio accademico della musica è chiamato musicologia , mentre i problemi filosofici legati alla musica sono analizzati dalla filosofia della musica .
Termini comuni
La terminologia musicale è molto ampia.
I termini usati per parlare di un particolare brano musicale includono:
- la nota che è il simbolo utilizzato per indicare una specifica intonazione (ed anche il suono stesso);
- la melodia che è una successione di suoni percepita come un percorso coerente;
- l' accordo nella musica tonale che è il risultato della combinazione simultanea di più suoni, sottoposta a vincoli e regole tradizionali;
- l' armonia che è lo studio della classificazione e delle concatenazioni di accordi;
- il contrappunto , dal lat. punctum contra punctum , punto contro punto, nota contro nota, è la simultanea organizzazione di differenti melodie;
- il ritmo che è l'organizzazione dalla metrica (pause, note, durate,..) in un brano;
- il tempo , che determina la durata di ogni battuta in unità musicali;
- gli armonici , ovvero l'insieme delle note che, unite, compongono una stessa nota (come l'ottava, la quinta, la terza, ecc..). Gli armonici possono essere naturali o artificiali, a seconda di come vengono ottenuti mediante lo strumento.
- il timbro è la caratteristica che differenzia ogni strumento, e dipende dalla forma dell'onda sonora prodotta dallo stesso. Solo nel Romanticismo si cominciarono ad intuire ed utilizzare le diverse potenzialità espressive di ogni strumento, le quali dipendono appunto dal timbro;
- la pausa è l'intervallo che si interpone tra una nota ed un'altra.
Le figure principali
Musicisti
Un musicista è una persona che esegue o che compone musica per professione. Si possono classificare secondo questo schema, che li suddivide in base al loro ruolo nella categoria professionale:
- L' arrangiatore modifica una canzone secondo le esigenze di spettacolo.
- Il cantante usa la propria voce nei brani musicali.
- Il cantautore scrive le canzoni e le esegue con la propria voce, insieme ad altri musicisti, utilizzando talvolta un proprio strumento di accompagnamento .
- Il compositore crea la musica e trascrive dalla partitura le parti che i musicisti suoneranno.
- Il direttore d'orchestra coordina gli elementi di una orchestra .
- Il direttore di coro coordina gli elementi di un coro .
- Lo strumentista suona uno strumento musicale del quale è un profondo conoscitore.
Direttori d'orchestra
Il direttore d'orchestra, spesso chiamato anche maestro d'orchiestra , è la figura di riferimento in un coro, un' orchestra o in generale in un gruppo di musicisti.
La sua direzione è innanzitutto di aiuto per la coordinazione dei musicisti fra loro, indicando il tempo , i diversi ingressi e le dinamiche. Egli inoltre chiarisce a cantanti , Solisti e strumentisti il contenuto e l'impostazione generale del componimento musicale.
Le sue funzioni sono anche quelle di guidare le prove e prendere tutte le decisioni necessarie da un punto di vista musicale, interpretando l'opera musicale. In assenza di un comitato artistico, il direttore sceglie anche il repertorio da eseguire. Il ruolo del direttore, come lo conosciamo oggi, si è formato intorno al XIX secolo .
Compositori
Un compositore è un artista che crea opere musicali, dette composizioni musicali . Il termine perciò è usato indipendentemente dal genere o stile musicale e indica una persona che costruisce con i suoni un risultato (oggetto sonoro) destinato ad essere ascoltato.
La composizione, al fine di poterne agevolare la riproduzione, è generalmente trascritta su uno spartito tramite un sistema di simboli chiamato notazione musicale, che appunto utilizza le cosiddette note musicali : l'opera del compositore è eseguita dagli interpreti ( musicisti , cantanti ), ma, ovviamente, può essere eseguita anche dall'autore stesso.
Il mestiere del compositore non è una professione protetta. Anche autodidatti si possono chiamare in questo modo, ma gli studi di composizione si eseguono in Italia presso i Conservatori .
Il rapporto col canto
«Come è nobile chi, col cuore triste, vuol cantare ugualmente un canto felice, tra cuori felici» |
| ( Khalil Gibran ) |
Il canto è la produzione di suoni musicali mediante la voce , ovvero l'uso della voce umana come strumento musicale.
Un gruppo musicale composto principalmente da cantanti (che in questo caso si dicono più propriamente "cantori") viene definito coro; quando il coro esegue musica senza accompagnamento strumentale si parla di canto a cappella .
Tipi di emissione
La voce umana nasce dalla vibrazione delle due corde vocali in adduzione tra loro dovuta al flusso creato dall' aria espirata dai polmoni . Nell'uso canoro il suono della voce è caratterizzato dalle risonanze della trachea , della faringe e della bocca , ed eventualmente delle altre cavità (seni) facciali e craniali; i timbri vocali che si ottengono dipendono anche dal meccanismo di produzione della voce.
A seconda del modo in cui la voce viene prodotta si possono distinguere tre tipi di emissione: la voce ingolata , la voce impostata e il falsetto .
Tecnica del canto
La tecnica del canto è quell'insieme di accorgimenti, appresi con l'allenamento e lo studio, necessari ai cantanti professionisti per evitare gravi danni alla laringe e alle corde vocali e per ottenere una voce timbricamente gradevole, potente e con un'ampia gamma cantabile , cioè una estensione dalla nota più bassa alla più alta in cui il timbro è omogeneo e l'intonazione è corretta e stabile.
Tutti, più o meno, possono cantare una canzone. Molti di meno invece riescono a cantare più canzoni di seguito, anche semplici: dopo qualche minuto un cantante improvvisato comincia a sentire mal di gola, e la sua voce comincia a farsi roca e sfiatata: se nonostante tutto continua a cantare, di lì a poco si ritrova afono, e corre il rischio di procurarsi un edema alle corde vocali.
Questo accade perché, istintivamente, il cantore di cui sopra usa la sua voce come se parlasse. Ma l'uso della voce che si fa normalmente, sebbene sufficiente allo scopo di parlare, impone alle corde vocali delle sollecitazioni troppo forti nel caso del canto: per poter cantare per ore senza danni, senza sforzo e con una voce sempre gradevole, il cantante deve reimparare ad usare la sua voce in modo nuovo, attraverso lo studio, l'allenamento e l'autoosservazione.
Coro
Il coro è un insieme di persone che, sotto la guida di un direttore , si esprime artisticamente attraverso il canto. I suoi componenti sono detti cantori (o coristi). Il termine coro può denominare, in modo generico, anche una composizione musicale scritta per tale organico.
La musica corale
Per musica corale si intende l'insieme delle discipline artistiche (composizione, esecuzione, direzione ecc.) che riguardano quell'importantissimo "strumento musicale" che si chiama coro.
Opera lirica
L'opera lirica è uno dei generi teatrali nonché musicali in cui l'azione scenica è abbinata alla musica e al canto . Tra i numerosi sinonimi , più o meno appropriati, basti ricordare il melodramma e le opere in musica .
Oggetto della rappresentazione è un'azione drammatica presentata, come nel teatro di prosa , con l'ausilio di scenografie, costumi e attraverso la recitazione. Il testo letterario che contiene il dialogo appositamente predisposto e le didascalie è chiamato libretto . I cantanti sono accompagnati da un complesso strumentale che può allargarsi fino a formare una grande orchestra sinfonica .
I suoi soggetti possono essere di vario tipo, cui corrispondono altrettanti sottogeneri: serio , buffo , giocoso , semiserio , farsesco .
L'opera lirica si articola convenzionalmente in vari "numeri musicali", che includono sia momenti d'assieme ( duetti , terzetti , concertati , cori) che assoli ( arie , ariosi , romanze , cavatine ).
Fin dal suo primo apparire, l'opera accese appassionate dispute tra gli intellettuali, tese a stabilire se l'elemento più importante fosse la musica o il testo poetico.
In realtà oggi il successo di un'opera deriva - secondo un criterio comunemente accettato - da un insieme di fattori alla cui base, oltre alla qualità della musica (che dovrebbe andare incontro al gusto prevalente ma che talvolta presenta tratti di forte innovazione), vi è l'efficacia drammaturgica del libretto e di tutti gli elementi di cui si compone lo spettacolo teatrale.
Un'importanza fondamentale rivestono dunque anche la messinscena ( scenografia , regia , costumi ed eventuale coreografie ), la recitazione ma, soprattutto, la qualità vocale dei cantanti .
Cantanti lirici
I cantanti, ei ruoli che essi interpretano, sono distinti in rapporto al registro vocale.
Le voci maschili sono denominate, dalla più grave alla più acuta, basso , baritono , tenore . A essi si possono aggiungere le voci di controtenore , sopranista o contraltista , che utilizzano un'impostazione in falsetto o falsettone, cioè senza appoggiatura. Esse eseguono ruoli un tempo affidati ai castrati .
Le voci femminili sono classificate, dalla più grave alla più acuta, come contralto , mezzosoprano e soprano . Anch'esse eseguono oggi, molto di più frequente delle corrispondenti voci maschili, i ruoli sopranili e/o contraltili scritti per le voci dei castrati.
Rapporti con altre discipline
- Musica e informatica
- Musica e diritto
- Musica e matematica
- Musica e sport
- Musica e medicina
- Musica e neuroscienze
- Musica e fisica
- Filosofia della musica
Produzioni e classificazioni
Note
- ^ [1]
- ^ Mt 26,30 , su laparola.net .
- ^ Corrado Barbieri, Gli strumenti del jazz , su jazznellastoria.it , Jazz nella storia. URL consultato il 17 maggio 2021 .
- ^ The History of Rock Music. Storia della Musica Rock
- ^ Storia del Rock - Anni ottanta
Bibliografia
- Marcello Sorce Keller , “Che cosa è la musica (e perché, forse, non dovremmo più chiamarla 'musica')”, Musica/Realtà , 2012/1, pp. 33-56.
- Marcello Sorce Keller , “Do We Still Need To Think Musically? (Musings about an Old Friend, Fishing Nets, Templates, and Much More)”, Ethnomusicology Ireland , No. 5, 2017: http://www.ictm.ie/?p=2090
- Carlo Pasceri , Tecnologia Musicale. La rivelazione della musica , Aracne, 2011.
- Susanna Pasticci (cur.), Parlare di musica , Meltemi 2008.
Voci correlate
- Arrangiamento
- Battiti per minuto
- Canto
- Cadenza
- Genere musicale
- Glossario musicale
- Melodia
- Musica da camera
- Musica strumentale
- Musica dei nativi americani
- Musicologia
- Musicista
- Intervallo (musica)
- Notazione musicale
- Note musicali
- Ottava (musica)
- Pentagramma (musica)
- Pausa (musica)
- Registro (musica)
- Registrazione sonora
- Suono
- Setticlavio
- Storia della musica
- Strumento musicale
- Teoria musicale
- Tempo (musica)
- Tonalità (musica)
Altri progetti
-
Wikisource contiene testi di opere musicali -
Wikiquote contiene citazioni sulla musica -
Wikizionario contiene il lemma di dizionario « musica » -
Wikinotizie contiene notizie di attualità inerenti allamusica -
Wikimedia Commons contiene immagini o altri file sulla musica
Collegamenti esterni
- Music (canale), su YouTube .
- ( IT , DE , FR ) Musica , su hls-dhs-dss.ch , Dizionario storico della Svizzera .
- ( EN ) Musica , su Enciclopedia Britannica , Encyclopædia Britannica, Inc.
- ( EN ) Musica , su The Encyclopedia of Science Fiction .
- ( EN ) Opere riguardanti Musica , su Open Library , Internet Archive .
- Fisica della Musica a cura dell' Università di Modena e Reggio Emilia
| Controllo di autorità | Thesaurus BNCF 1676 · LCCN ( EN ) sh85088762 · GND ( DE ) 4040802-4 · BNF ( FR ) cb133183660 (data) · BNE ( ES ) XX525209 (data) · NDL ( EN , JA ) 00568825 |
|---|
